Dans le quartier latin, non loin de la Sorbonne et du musée de Cluny, deux restaurants atypiques se partagent le pavé. Le Watt a été monté en 2003, remplaçant un vieux restaurant chinois fermé pour raisons d’hygiène. Le succès s’étant vite fait sentir, un deuxième restau chinois a été racheté, à deux pas de là. Il faut dire que le 5ème arrondissement, particulièrement Maubert-Mutualité, est le quartier chinois historique de Paris. Avant que la pression immobilière ne le déplace dans le 13ème.

Intime et cosy

Tout cela, Sacha Wolf l’a bien compris. Quand il rachète ce qui deviendra le Karl en avril 2006, il est conscient du potentiel qu’il y a dans ce coin où les restaus se font rares. Un an de travaux aura été nécessaire avant son ouverture “même s’il était en moins piteux état que le Watt. Les escaliers n’étaient pas aux normes, il a fallu les changer. Le bar a été recréé, la cuisine refaite entièrement ainsi que les murs auxquels on a rajouté de l’isolant phonique”, raconte Sacha, fier de son œuvre.

C’est que l’homme a un profil de décorateur. Aussitôt sorti d’école de commerce, il a 23 ans quand il cherche son premier local. Et tombe sur le Watt, rue de Cluny. Trois ans après ouvre le Karl, une autre occasion de se faire plaisir, niveau décoration : “le Karl, c’est trois volumes, deux au rez-de-chaussée plus l’étage. C’est plus intime et cosy que le Watt, qui est en un seul volume. Ça permet de jouer avec l’espace, sur le côté ludique”, poursuit le chef-décorateur.

Cocotte-minute

Sacha conçoit chacun de ces trois volumes comme une entité à part entière. En bas : la pièce dans l’entrée est dans des tons verts, sa voisine en rose. En commun, elles ont une décoration utilisant beaucoup d’objets de récupération, tels des passoires et des râpes à fromage en guise de luminaires. “La salle rose, avec son papier peint à damassé, est plutôt baroquo-moderne”, ajoute Sacha. Dans le même goût de transversalité, les toilettes se démarquent avec un néon vert et un miroir moderne, aux côtés d’une citation tordante de Karl et Groucho Marx.

A l’étage, le plafond étant très bas, il a fallu couper les pieds des tables pour une hauteur d’assise plus basse. Là encore : les petites idées déco ne manquent pas. Derrière les suspensions Ikea on peut voir des photos de la cocotte-minute, emblème du Karl, se promener devant les monuments parisiens. Bref, on l’aura compris, l’humour n’est pas en manque dans cette déco qui aura coûté autour des 15.000 euros, mobilier compris.

Décembre 2007

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Il est exactement dix heures lorsqu’on arrive sur le parking. La forêt de cryptomerias nous accueille à bras ouverts. Il y fait un peu frais en cette saison, mais l’on va vite se réchauffer. Les formalités expédiées, mes amis et moi enfilons nos baudriers avec l’aide du moniteur. Celui-ci nous emmène ensuite sur un premier atelier qui sert de briefing. C’est là qu’on nous montre les manipulations essentielles que nous suivrons tout au long du parcours. Et qui sont censées assurer notre sécurité dans la mesure où nous les respectons scrupuleusement.

C’est parti ! Nous voilà déjà autonomes, prêts à voler vers l’aventure de nos propres ailes.
Commençons par reproduire les gestes inculqués quelques minutes plus tôt. D’abord tirer la cordelette qui permet de descendre un gros mousqueton que l’on attache ensuite au baudrier. Puis doubler cette attache avec un deuxième mousqueton, ou “vache” pour les intimes. Le principe prévaut partout. On grimpe ensuite le long d’une échelle de corde pour atteindre le plateau. Celui-ci est niché à 5 mètres au dessus du sol et peut recevoir 2 personnes à la fois. Une fois qu’on y est, on se sécurise à la ligne de vie et on observe. Une petite pancarte indique à chaque fois la façon se s’y prendre pour rejoindre le plateau suivant. Que ce soit une tyrolienne des Andes, un pont japonais, des étriers ou un fil de funambule, il faut chaque fois fixer sa poulie à la corde qui va d’arbres en arbres. Question de sécurité, de facilité aussi. Ainsi, si l’on fatigue en fin de parcours, il n’y a qu’à se laisser glisser le long de cette ligne.

Des décors somptueux

Quel régal que d’évoluer parmi ces arbres colossaux à 1300 mètres d’altitude. Installé dans une concession s’étalant sur trois hectares, le parc offre le cadre propice à de telles activités. Le décor évolue au fil du parcours et ne cesse jamais de nous surprendre. On traverse ainsi avec délice la forêt primaire de bois de couleur et ses fougères arborescentes. On sera surpris de croiser ici ou là les restes d’un four à géranium. C’est qu’on se trouve en fait sur les terres d’une ancienne culture de géranium, qui a précédé les cryptomerias, il y a 40 ans de cela.

Deuxième parc du genre à avoir ouvert ses portes à la Réunion, en 2003, soit un an après Forestia (Plaine des Palmistes), la Forêt de l’Aventure se rajoute à une liste déjà longue de quelques 200 parcs répartis dans toute la France. “En métropole, la plupart des stations de ski ont leur parc d’accrobranche. Ceux-ci ont servi de modèle pour la construction du nôtre.”, reconnaît Yannis, notre moniteur. Ouverte tous les jours pendant les vacances, la Forêt reçoit notamment la visite de centres aérés. Des groupes de gamins débarquant par paquet de 50 par demi-journée et qui vous mettent une sacré ambiance dans la vallée. Deux parcours sont proposés aux visiteurs : la Mini Forêt pour les moins de 5 ans regroupe 21 activités sur 3 sites. Pour les autres, ceux qui dépassent les 1,40 mètres, ce sera le Grand Parcours et ses 42 ateliers. Pour les aventuriers, il faut compter une vingtaine d’euro pour participer. Moins si vous êtes en groupe. Les accompagnateurs peuvent se promener librement et profiter des sentiers. Il est midi quand nous retournons à la voiture. L’estomac creusé par l’activité, nous filons tout droit chez Doudou, un restau sympa situé un peu plus bas sur le chemin du retour.

Août 2007

Pour l’instrumentalisation, la formule évolue notamment autour de la guitare de David Le Deunff, la basse d’Hervé Godard et les cuivres de Thomas Faure et Guillaume Poncelet. Une orchestration à vivre sur scène, où la baguette du chef 20 Syl s’anime et prend tout son sens. Sur “Place 54″, deuxième album du groupe, les styles varient entre un rap brut (”Recyclé”), un style tranquille (”Touriste”), des titres plus funky (”Smile”) ou soul (”Je la soul”, “Normal”). HP puise ainsi dans toutes les sources de la black music qui a bercé ses membres. Le Nantais 20 Syl séduit, surprend par une ouverture d’esprit mise en valeur par un style posé déclamant des textes subtiles et réfléchis.

Difficile de parler de reggae sans évoquer le nom de Burning Spear. Aux côtés de Bob Marley, l’histoire retiendra le nom de celui qui développa un reggae puisant largement dans la spiritualité et les thèmes rastas mais aussi les dénonciations de la condition des Noirs. Un artiste prolifique qui diffuse son message depuis maintenant plus de quarante ans.

Winston Rodney est né en 1948 dans la baie de Sainte Ann, en Jamaïque. Le pseudonyme de Burning Spear (le “javelot enflammé”) est emprunté à Jomo Kenyatta, président du Kenya de 1964 à 1978 et leader des Mau Mau, un mouvement militant nationaliste anti-britannique. C’est Bob Marley qui le dirige vers Studio One, porte d’entrée du reggae à l’époque. “Door Peep”, son tout premier enregistrement pour Coxsone Dodd, sort en 1966.

Burning Spear devient un trio avec l’arrivée du chanteur Rupert Willington suivie de celle de Delroy Hinds, le frère de Justin. Après une série de single dont le hit de 1972, Joe Frazier (He Prayed), le trio sort son premier album chez Studio One. Un disque indispensable au même titre que “Rocking Time”, sorti en 1974. Le charisme de Winston, soutenu par les chœurs envoûtants de ses deux collègues, appuie des paroles chargées d’émotion et de colère envers l’oppresseur. Le tout avec un sens profond de spiritualité rasta. Spear se sépare de Dodd pour rejoindre l’écurie de Lawrence Lindo, alias Jack Ruby. Leur première session d’enregistrement avec les Black Disciples (Earl Chinna Smith, Tommy McCook, Horsemouth Wallace…) aboutit à l’indispensable “Marcus Garvey” en 1975. Le single du même nom est un immense succès, suivi de celui de Slavery Days. Publié par Island, l’album s’assure une notoriété mondiale.

Afin de garder le contrôle de sa musique, Winston Rodney monte son propre label : Spear. Sur cette structure paraîtront plusieurs single de qualité dont Travelling (un remix de Journey), Spear Burning et The Youth Sa dernière collaboration avec Jack Ruby sera l’album “Man In The Hills”, édité en 1976 par Island Records. Winston se sépare ensuite de ses deux choristes pour continuer l’aventure en solo, toujours sous le nom de Burning Spear. Il produira lui même l’album suivant, “Dry and Heavy”, enregistré dans les studios Harry J’s en Jamaïque.

Reconnaissance tardive

Alors que son nom avait déjà commencé à faire le tour du monde, ce n’est qu’en 1977 que Spear pose le pied en Angleterre. Il s’y produit en compagnie du groupe local Aswad, au Rainbow Theatre de Londres. Ce show anthologique sera immortalisé sur l’album “Live”, publié en 1977 par Island. Ce sont d’ailleurs des musiciens d’Aswad qui viennent en renfort des Black Disciples sur les compositions de “Marcus Children” en 1978. Egalement sorti sous le nom “Social Living” chez Island, cet album singulier et essentiel mêle des influences jazz à une vibe roots. Quittant Island, Burning Spear signe son nouveau label Burning Music chez EMI. Co-produit par Aston “Family Man” Barrett, le bassiste des Wailers, “Hail H.I.M.” est enregistré au studio Tuff Gong avec les Wailers, dernier volet d’une série de cinq albums indispensables démarrée avec “Marcus Garvey”. La suite est moins prolifique.

Dans les années 80, Burning Spear subit comme tous les artistes roots la vague digitale. C’est pourtant pendant cette période, et grâce à des apparitions récurrentes au Reggae Sunsplash qu’il s’exporte le mieux, ce qui lui vaut d’être nominé à plusieurs reprises aux Grammy Awards, sans qu’il l’emporte. Tardive, la reconnaissance arrive en 2000 : il remporte enfin le Grammy Award tant de fois frôlé, qui récompense “Calling Rastafari”, sorti en 1999. Une reconnaissance internationale qui ne met pas pour autant fin à ses problèmes financiers récurrents avec ses différents producteurs (lire interview). Producteur de ses concerts dans les années 90, il multiplie les tournées internationales. Avec son label Burning Spear, qui accueille “Free Man” en 2003 puis “Our Music” en 2005, il peut désormais toucher les fruits de son travail.

Alors que la Nasa s’y intéresse depuis près de trente ans, des ingénieurs et designers se mettent à développer des systèmes de dépollution de l’air par les plantes en milieu fermé. C’est le cas du français Mathieu Lehanneur et de l’américain David Edwards, qui mettront bientôt l’appareil “Bel-Air” sur le marché.

Seriez-vous inquiets d’apprendre que votre intérieur est encore plus pollué que la rue ? C’est ce qu’affirment certains scientifiques pour qui cette pollution proviendrait des objets manufacturés qui nous entourent au quotidien. Les plastiques qui les constituent exhaleraient des gaz pouvant s’avérer néfastes pour la santé.

Canaliser l’air

Le designer français Mathieu Lehanneur, pour qui “l’air est un matériau à part entière qui peut se travailler, se canaliser, s’optimiser”, il était temps de “palier aux effets indésirables générés par la production des designers”. Le créateur a décidé de répondre à ce problème par un autre objet de design, poétiquement baptisé le “Bel-Air”.

“Un cerveau végétal enclos dans une boîte crânienne d’aluminium et de pirex”, c’est ainsi qu’il peut être présenté. Disons plutôt que le “Bel-Air” est une petite capsule à l’allure futuriste abritant une plante aux vertus étudiées par la Nasa depuis les années 1980. Le chlorophytum est en fait intéressant pour ses capacités de dépollution de l’air.

Comment ça marche ?

“Bel-Air fait transiter en continu l’air de l’habitat dans l’objet et le met en contact prolongé avec les feuilles de la plante mais aussi et surtout avec ses racines qui assurent 80% du travail de filtration”, explique Mathieu Lehanneur, concepteur et développeur du projet, aux côté de l’américain David Edwards, de l’Université d’Harvard.

Concrètement, les feuilles de la plantes, ses racines, mais aussi une chambre humide, retiennent la pollution à l’intérieur de la capsule. “Les particules nocives sont ici capturées, puis transformées à l’intérieur du système”. De quoi gagner, selon Mathieu Lehanneur, “peut-être quelques années de vie en plus. Mais il est encore trop tôt pour avoir des chiffres exacts”.

Après quelques protocoles de tests en laboratoire visant à son optimisation, “Bel-Air” devrait être commercialisé courant 2009. En attendant, vous pouvez l’essayer à l’état de prototype et le découvrir jusqu’au 14 janvier au Laboratoire (4 rue du Bouloi - 75001 Paris) puis au MoMA de New-York au mois de février.

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Attiré par le plastique depuis sa plus tendre enfance et intéressé par la récupération comme solution contre le gaspillage et la surconsommation, Régis-R a fait du plastique son leitmotiv et de la récup’ un art de vivre. Portrait d’un artiste atypique piqué au vif par le plastique.

Le “prince of plastic”, comme il se fait appeler, n’a pas toujours été parisien. Régis a grandi à Saintes (Charente-Maritime), mais aussi à Toulouse et Bordeaux. Il a le souvenir d’un grand-père menuisier dans les Pyrénées chez qui il passait ses vacances d’été. C’est vers l’âge de 6-7 ans que Régis s’est mis au bricolage et à la récupération en refaisant des vélos.

Ado, il écoute Jerry Lee Lewis, Ray Charles et Sergeant Pepper’s. Joue aux Playmobil et aux Lego. Et vit entouré d’objets en plastiques. Déjà. Des chaises et tables à pied en tulipe peuplent son imaginaire. L’ado confectionne ses propres jouets en bois, en fait pour les autres et les échange contre des billes. Il conçoit sa première bouteille-lampe à l’âge de 14 ans, “avec une bouteille de biiiip”. Il revoit aussi un gros collage au dessus de son lit avec toutes ses idoles : James Bond, James Brown, Andy Warhol…

R comme… récupération

Etudiant, Régis passe par un Deug d’architecture, fait escale en art plastique avant de trouver sa voie à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. Suite à quoi il se retrouve catapulté dans un grand appartement à Bordeaux, qu’il faut bien remplir, car l’artiste a horreur du vide. Régis ramasse alors des objets un peu partout, qu’il accumule, devenant peu à peu, par la force des choses, Régis-R. Un R comme récupération, révolté, rebelle, recyclé… bref, “comme vous voulez”.

Arrivé à Paris, Régis-R vit à trois personnes dans un atelier de 200 m². Là encore, il faut remplir. Une grande benne à proximité leur servira de source principale, complétée par tout ce que la rue charrie d’objets abandonnés ou égarés. Designer à la base, l’artiste fait les marchés pour l’argent de poche. Puis l’échelle grossit un peu et Régis-R s’essaie aux installations.

R comme… République Royale Recyclée

Avec une salle à manger peuplée d’un roi et ses sujets attablés, l’artiste bâtit une histoire sur fond de bleu-blanc-rouge, “des valeurs qui appartiennent à tout le monde”. Et quand il enfile son costume, le roi joue le jeu à fond : la République Royale Recyclée est plus qu’une expo. C’est un concept. A découvrir à la galerie Dorothy’s, dans le quartier de la Bastille, jusqu’au 6 janvier 2008.

Le “prince of plastic” travaille aujourd’hui avec une vingtaine d’artistes dans un atelier d’Aubervilliers (Seine-Saint-Denis). Il vit dans le 18ème arrondissement et est fiancée à une certaine “Bikini”, directrice artistique, graphiste et dj, comme lui. Régis-R animera d’ailleurs une soirée le 11 décembre chez un disquaire de la rue des Taillandiers, “dans une ambiance royale porn & dance”. Rien de bien méchant, rassurez-vous. “J’aime retourner les gens comme des crêpes. Je passe de tous les styles, de l’électro, du reggae, du Wagner… j’aime leur faire découvrir des choses peu connues”, conclue-t-il.

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Un lavoir du XIXe siècle du quartier de la Goutte d’Or (Paris 18e) est en train d’être réhabilité en logements de charme. Alors que la livraison est prévue pour fin 2008, tous les appartements sont déjà vendus. Présentation de cette transformation exceptionnelle.

Ce bâtiment en bois à la typologie classique rappelle par sa structure les séchoirs à maïs et à tabac que l’on trouvait autrefois un peu partout en France. Quand il l’a découvert, Patrick Masurel, maître d’ouvrage de ce projet de réhabilitation, a eu le coup de foudre.

Ceux qui ont lu “L’Assommoir” d’Emile Zola se souviennent de Gervaise, lavandière à la Goutte d’Or, dans l’actuel 18e arrondissement de Paris. D’après les descriptions du romancier naturaliste, il se pourrait que ce soit le même lavoir dont il s’agit. «Le dernier dans Paris intra-muros, alors qu’on en comptait 250 à la fin du XIXè siècle. Mais ils ont tous été détruits depuis, sous la pression immobilière», raconte Patrick Masurel, de la Financière Arthus-Bertrand.

La route a été longue pour réhabiliter en appartements cet ancien lavoir, au visage marqué par le temps. Le bâtiment était même penché sur toute une partie, sa base fragilisée par l’eau infiltrée, conséquence du travail des lavandières. Un incendie en 1908 l’avait presqu’entièrement détruit. Il avait été totalement reconstruit deux ans plus tard.

Logements de charme

Avant d’entamer les travaux, il a fallu convaincre la commission du Vieux Paris, qui prônait une restauration à l’identique. Ce n’est pas comme ça que la Financière Arthus-Bertrand voyait les choses. Son idée était plutôt de transformer le lavoir en un hôtel de charme aux confortables duplex, au sein d’une structure en bois, béton et métal, solide et chaleureuse.

«Il a fallu remplacer le bois du rez-de-chaussée par du béton et faire des reprises ponctuelles de la charpente, afin de redresser les niveaux. A l’extérieur, on a posé une couverture de zinc doublée d’une gouttière havraise», explique Guy Hayon, un des architectes de l’agence Graal, maître d’œuvre.

«Tout est vendu»

Si toute la structure n’est pas en bois, pour des raisons évidentes de solidité et de stabilité, la façade a bien gardé le cachet original du lavoir d’époque. D’ailleurs, «les modules de façades ont été débités et assemblés sur place, car l’accès au site est une servitude appartenant à la copropriété», note Patrick Masurel.

Si la livraison attendra encore un an, le maître d’ouvrage peut déjà annoncer que «tout est vendu». S’il craignait l’à priori «cabane en bois» que peuvent avoir certaines personnes, il a été surpris par la rapidité de vente de ces lots douillets convenant parfaitement aux jeunes couples «qui s’y projettent, peuvent y faire ce qu’ils veulent et imaginer leur espace», conclut Patrick Masurel.

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Implanté dans un environnement dégagé, à proximité du Stade Jean-Ivoula (ex-Stade de l’Est), le Zénith de la Réunion est un signal par sa hauteur, un phare qui éclaire la nuit de sa lumière haute. Avec un tracé en forme de cercle ondulé ou de fleur à cinq lobes, la superstructure impose d’emblée sa puissance sur la route qui relie l’est de l’île à son chef-lieu, la ville de Saint-Denis.

«Il y a des constantes dans la conception d’un zénith, de la taille de la jauge à la périphérie urbaine en passant par les contraintes d’accueil du public et des personnels. Pour celui de la Réunion, nous avions choisi une forme ramassée pour pouvoir tout poser, avec un accès haut comme dans un théâtre à l’ancienne», explique Anabel Sergent, chargée du projet au cabinet Chaix & Morel.

Ainsi cette énorme masse ondulée et circulaire «sculptée comme une fleur» repose sur une structure en béton. Les façades, en double peau «vivante», sont animées de lumières colorées sous tous les angles. Construite en tôle perforée reposant sur une armature métallique en arrière plan, cette peau pourra à terme servir d’écran lumineux géant, «si le budget le permet», précise la chargée de projet.

Pureté et légèreté

«Tout le bâtiment exprime l’énergie contenue de la musique. Cette forme génère un objet qui, de tous côtés, frappe par son évidence et dont aucune excroissance ne vient altérer la pureté. Le jour, le bâtiment reflète la couleur du ciel. Hormis les reflets sur sa surface galbée, il est inerte, léger, immatériel tel un nuage», peut-on lire dans la notice architecturale du projet.

A l’intérieur, les 6.000 places de la salle de spectacle lui valent son nom de zénith. Pour éviter qu’elle ne paraisse vide quand tous les tickets n’ont pas été vendus, une grande partie des places assises peut être retirée ou masquée, les premiers et derniers rangs n’étant séparés que par 56 mètres. «Le parterre est modulable et plat, ce qui évite à l’artiste la sensation d’écrasement des salles trop pentues». Des idées astucieuses permettant de combiner compacité de l’espace et confort de tous.

Les visiteurs seront accueillis dans un hall aux allures de forêt de poteaux avec des gammes de couleurs terre, ocre et brun. La première pierre ayant été posée le 14 février, l’œuvre devrait être livrée fin 2009, au terme de 18 mois de travaux. Après quelques retards dans les délais, les partenaires du projet ont bon espoir puisque la plupart des entreprises ont déjà été trouvées, dont la GTOI (Grands Travaux de l’Océan Indien) pour le gros œuvre.

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